记者 祝 静
舞台落幕，掌声渐歇，布景的归宿成谜。或是封存入库，沉寂仓库，或是伴随剧目持续循环，在一次次复演巡演中彰显艺术生命力。这表面看是行业常态，实则映照出当代戏剧生产中，舞台美术的角色正在经历深刻转变。
7月2日，由中国艺术研究院话剧研究所、国家大剧院台湖舞美艺术中心联合发起的“戏剧高质量发展背景下剧目生产与舞美创新转型研讨会”举行。近80位从事戏剧研究的学者及从业者围绕核心议题展开探讨：当《戏剧振兴三年行动计划（2026—2028年）》提升剧目创作与传播品质标准，舞台美术应如何定位自身价值？
图片由AI生成。
舞美设计，早已突破装饰功能
“没有舞台美术，就没有戏剧。”中国艺术研究院话剧研究所所长陈曦在致辞中引用曹禺大师的话说明主旨。现阶段戏曲生产中，这句话有了全新释义——现代舞美设计超越传统背景装饰，成为戏剧表达不可分割的一部分。
中央戏剧学院舞台美术系教授刘杏林以欧洲现代剧场为例证说明行业演变趋势。他认为，百年间舞美设计从被动呈现剧本场景，转向主动诠释文本内涵。“舞台景物不是静止的空间装置，而应在表演者行动、环境变化和观众体验中生成意义。”刘杏林谈道。
他以俄罗斯圣彼得堡小剧院—欧洲剧院推出的契诃夫名作《海鸥》为例，该剧导演列夫·朵金与舞美设计师亚历山大·博罗夫斯基深度合作，设计并未逐幕复制剧本中的客厅、花园和湖岸场景，而是采用高度凝练的空间手法概括整部作品。全剧仅使用7件真实小船道具作为全部舞美元素，放弃传统写实布景。这些小船随剧情转换象征意义，隐喻人物间疏离关系与命运起伏，用极简形式承载深刻精神价值。
这一见解获得广泛共鸣。国家大剧院原舞美总监高广健提出，驻场演出与巡演制作需采用不同舞美策略，因地制宜才是务实之道。中国艺术研究院文学艺术院副院长姜浩扬强调，评价舞台美术不能仅看规模感与视觉效果，还要考虑其与剧种特性、演员表演及后续传播是否契合。北京市曲剧团负责人戴兵从院团管理角度直言，创作初期就应统筹艺术水准、制作投入与市场接受度，避免首演后仓促调整。
舞美革新，不应等同于技术应用堆砌
人工智能、数字影像、智能机械等先进技术迅速进入剧院，舞美数字化创新掀起新浪潮。但盲目逐流、贪图视觉特效的混乱现象也随之产生，部分剧目陷入“重形式轻内容、重特效轻内涵”的创作困境。与会专家一致认为，舞美创新不等于技术叠加，技术仅是辅助手段，艺术构思与行业实效才是根本。
中国艺术研究院话剧研究所副研究员赵红帆指出，当前评价舞美不能仅关注首演效果，还需纳入复演便捷性、多剧场适配性、巡演稳定性、全过程资料管理性等标准。“数字预演、人工智能、机械控制及影像技术可提升方案生成与空间预见能力，但无法替代材料选择、装台规划、运输储存、安全核查等实体制造环节。”赵红帆补充说明。
天津舞台科学技术研究所原所长张金玉提出，舞美发展应从单纯“搭景”提升至融合文化资源、空间构建、工程技术与项目管理的“造境”阶段，让技术应用真正服务戏剧核心与长久传播。国家大剧院一级舞美设计师赵晓宇从实践角度建议，应明确创意设计与制作深化职责分工，由专业技术团队承当方案细化与制作实施，防止因权责不清导致过度制景和资源浪费。
复合型舞美人才培养是关键
舞美革新转型与剧目高质量发展，根本在人才建设。当前行业变革加速，传统舞美人才培养模式暴露出明显短板，单一型人才结构难以适应发展需求。
（原文此处结尾部分因任务要求未做调整）