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央广网北京7月6日讯（记者 宋雪）一场名为“戏剧高质量发展背景下剧目生产与舞美创新转型研讨会”的会议，近日在国家大剧院台湖舞美艺术中心揭幕。来自理论研究、舞美创作、院团管理、舞台技术等多个领域的近80人参与其中，针对剧目生产机制、舞美制景转型、复演巡演和人才培养等议题深入交流。
陈曦，中国艺术研究院话剧研究所所长兼研究员，在致辞时谈到曹禺先生的著名论断：没有舞台艺术，就没有戏剧。当前，人工智能与数字影像等新技术的普及，以及文旅演艺等新业态的兴起，正推动舞台美术经历一场深刻的变革，舞美领域也面临着越来越复杂的挑战。在这样的背景下，陈曦呼吁理论研究者、艺术创作者和管理工作者的打破了界限，增进相互之间的理解，在剧目生产与舞美创新转型的关键环节上探索解决方案。此次研讨会以“戏剧高质量发展”为背景，正是意在提供一个交流平台，让具有不同视角和专业职能的参与者们能够针对实际问题展开对话，促进经验共享和知识转化。
2026年2月，中共中央宣传部、教育部、财政部、文化和旅游部、中国文联共推出了《戏剧振兴三年行动计划（2026—2028年）》，对提高剧目创作、演出和传播质量提出了明确诉求。此次研讨会的讨论内容与该计划的方向高度契合。与会专家普遍认为，提升剧目生产质量仅仅关注首演是不够的，应该将复演、巡演、维护和传播也纳入整体框架中。舞美的规模应当符合作品内容、剧种特点、剧场状况和演出目的。大型制作要合理，必须确保艺术表达有明显需求，技术实现可靠，以及后续运行有保障。在剧目策划和设计阶段就应当考虑复演和巡演的需求，运输车辆、装台时间、人员安排、设备状况、复排成本和仓储维护等问题都不应等到首演后才被动调整。模块化、轻量化、标准化和可维护性并非简单削减舞台效果，而是为了确保作品能在不同剧场精确还原，减少重复制作的无用损耗。
会议中，有专家特别指出舞美创新不应只聚焦于新技术的应用。尽管数字预演、人工智能、机械控制和影像技术能够提升方案生成和空间预判的效率，但最终还是要落实到材料的选用、结构的搭建、演员的表演、安全规范的实施和现场的操作运行上。设计、制作、灯光、舞台技术、剧目管理和仓储调用等不同环节之间，需要建立更加清晰的工作接口。
会议上午的四位主旨发言人就艺术本体、人才培养、生产机制和理论研究四个层面构建了会议的整体框架。
刘杏林，中央戏剧学院舞台美术系教授、香港演艺学院荣誉院士，结合欧洲当代剧场的实例，探讨了舞台设计媒介与现实关联的变化。他强调，舞台上的景物不应被视作固定的视觉装置，而应在演员的表演、空间的变化以及观众的体验中产生意义。
任冬生，北京舞蹈学院舞台美术系主任及教授，从制景和导演调度的相互联系、演员表现、灯光、机械以及预算和生产周期等多个方面入手，指出制景并非独立的后期工作。舞美教育需要加强艺术构想、技术执行和团队合作三大领域的联系，培养兼具艺术敏感度、技术判断力和协作精神的专业人才。
关渤，国家大剧院艺术创作中心副主任，结合国家大剧院的实践经验，梳理了剧目从策划、筹备、生产、演出到归档的整个流程，强调剧目创作不是某个部门的孤立任务，而是艺术定位、资源分配、舞台实现和长期积累共同作用下的综合成果。
赵红帆，中国艺术研究院话剧研究所副研究员，从史论研究的视角提出，应该将复演、巡演、跨场地适配、仓储维护和剧目资产管理等环节融入更为完整的生产过程中。通过问题清单的制定、案例研究、跨岗位访谈和教学实践，将分散在行业现场的经验转化为可保存、可研究、可传递的知识。
会议接下来的圆桌讨论聚焦于剧目生产机制与舞美制景转型两大方向。高广健，国家大剧院一级舞美设计师，提出驻场创作和巡演制作应当采取不同的舞美策略。姜浩扬，中国艺术研究院文学艺术院副院长、一级舞美设计师，则强调舞美的评价不应仅仅注重体量和视觉冲击力。